Por cuarto año, tengo el placer de presentar los mejores resultados de la clase de arte urbano que dirijo en Aranjuez. La clase es cuatrimestral y forma parte de la licenciatura en Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid.
Consiste en más de veinticinco sesiones teóricas (conferencias y proyecciones) de dos horas, y un igual número de sesiones de tutoría durante las que dirijo, a través de discursiones en torno a fotos, vídeos y bocetos, las varias decenas de proyectos personales que los alumnos desarrollan en la calle. La web de la asignatura recoge una selección de estos trabajos, acompañados de breves textos críticos que yo aporto.
El interés por la asignatura no deja de crecer, de manera que el curso que viene se celebrará una edición en otoño y otra en primavera. Más información sobre el contenido de la asignatura aquí.
En estas semanas se está presentando en todo el mundo, con múltiples eventos y exposiciones complementarias, el volumen Urban Interventions, de la editorial alemana Gestalten. Aunque el contenido es algo desigual y se limita además, como es habitual, a acumular imágenes sin proporcionar apenas textos que las expliquen, es cierto que es un proyecto de envergadura y que incluye trabajos excelentes. Es muy de agradecer, en cualquier caso, que hayan incluido dos obras desarrolladas durante la última edición de la Clase de arte urbano que dirijo para la Universidad Complutense.
El próximo viernes 28 a las 21h estaré en La Tabacalera (glorieta de Embajadores, Madrid), para impartir la conferencia Pintar graffiti, borrar graffiti: ¿qué es y para qué sirve?, como parte del festival Madrid Urban Arts.
Estudiaremos diferentes fenómenos, experimentos y análisis inesperadamente reveladores que han salido la luz en los últimos años alrededor del graffiti, de su limpieza, y de la limpieza en general. Por un lado, trataremos el fenómeno de los vigilantes como Fred Radtke o Joe Connolly, ciudadanos que se toman la justicia por su mano y borran graffitis por doquier, por iniciativa propia y sin permiso, siguiendo un impulso que acaba siendo difícil de distinguir del de los propios graffiteros. Visionaremos (subtitulados al castellano) los fragmentos sobre Connolly del magnífico documental Infamy.
Por otro lado, hablaremos sobre la relativamente nueva cultura de apreciación del borrado de graffiti, y visionaremos fragmentos (subtitulados al castellano) del documental que le dio origen, el excelente The subconscious art of graffiti removal. En él, el director norteamericano Matt McCormick ofrece una visión tan desternillante como esclarecedora de los rectángulos grises con que los ayuntamientos suelen cubrir las firmas y el graffiti en general. Observaremos cómo la popularización del documental ha inspirado a diferentes artistas a desarrollar experimentos que se sirven del fenómeno de los rectángulos grises para articular intervenciones en el espacio público.
Trataremos también el llamado reverse graffiti (graffiti inverso), es decir, escribir o dibujar en las paredes no mediante la aplicación de tinta o pintura sino mediante la limpieza selectiva del hollín que se acumula en las superficies. Analizaremos los distintos usos que se han dado a la técnica, desde el más pretendidamente político del brasileño Alexandre Orion hasta el desprejuiciadamente mercenario del británico Moose, pasando por el descaradamente exhibicionista del siempre mediocre francés Zevs.
Todos estos temas sacan a relucir un argumento principal: ¿qué es hacer graffiti, qué es borrar graffiti? ¿Cuál es el objetivo de las medidas de limpieza del arte urbano: mantener las paredes limpias y uniformes o reprimir la comunicación independiente?
El acceso a la conferencia es gratuito. La sala está por determinar. Aprovechad para dar una vuelta por la gigantesca Tabacalera, un edificio abandonado largamente reclamado por los movimientos sociales del popular barrio de Lavapiés, y que el gobierno central, contra todo pronóstico, ha cedido (parcial y temporalmente) a esos movimientos.
Ha arrancado en A Coruña el festival de arte urbano MUAU, con el que he colaborado estrechamente, y para el que he comisariado varios proyectos. El festival incluye una exposición, varias intervenciones artísticas en la calle, un ciclo de mesas redondas y talleres, y otro de documentales.
Postgraffiti, geometría y abstracción. Exposición con Eltono y MOMO
El 15 de abril se inaugura en la sede central de la Fundación Caixa Galicia la exposición Postgraffiti, geometría y abstracción, que he comisariado, y para la que he tenido el privilegio de trabajar con dos de mis artistas más apreciados, el parisino Eltono y el californiano MOMO. Participan también Marlon de Azambuja, un interesante artista brasileño afincado en Madrid, y el norteamericano Sam Bassett. La selección de obras propone un recorrido transversal a través de la actual escena del postgraffiti con la abstracción geométrica como hilo discursivo.
La muestra evita la fórmula habitual en las exposiciones de arte urbano, es decir, la exhibición de lienzos que reproducen la imaginería que el artista usa en la calle. Esa táctica se limita a extirpar la parte superficial del arte urbano, los motivos gráficos, e ignora sus mecanismos fundamentales, la adaptación y el diálogo con el contexto, componentes que constituyen la sustancia de su experiencia artística. Se trata de un violento cambio de escenario que deja del fenómeno poco más que un vago reflejo.
Postgraffiti, geometría y abstracción rompe con dicha fórmula y se centra en la exhibición de documentación de las obras en su contexto original, el espacio público, en forma de fotografías y vídeos. Los documentos muestran no solo las obras y el entorno con que interactúan, sino también su proceso de producción, su proceso vital, y la forma en que el público se relaciona con ellas, aspectos fundamentales para la comprensión y apreciación de una forma de arte íntima e inseparablemente ligada a su contexto.
La pieza central de la muestra es uno de los rompedores experimentos de Eltono, artista que se distingue, precisamente, por su visionaria y constante búsqueda de fórmulas híbridas que le permitan trabajar en la sala expositiva sin romper el vínculo físico y conceptual con la calle. Eltono está estos días en A Coruña elaborando para Postgraffiti, geometría y abstracción su proyecto más sutil y emocionante hasta la fecha. El resultado se desvelará el día de la inauguración.
También como parte del festival, MOMO estará en A Coruña a finales de este mes instalando una espectacular obra en la acera más céntrica de la ciudad.
Ciclo documental
Durante el mes de mayo se celebrará la muestra de documentales que he comisariado para MUAU. La mayoría de cintas no han sido exhibidas en España, o lo han sido en muy contadas ocasiones. Entre ellas se encuentran desde clásicos imprescindibles como Style Wars o Infamy hasta obras poco conocidas pero excelentes, como Who is Bozo Texino? o The subconscious art of graffiti removal. El conjunto ofrece una perspectiva rica y profunda de las muy diferentes manifestaciones del arte público independiente.
Jornadas
Hoy día 8 comienza el mes de jornadas, con la primera de una serie de mesas redondas sobre las problemáticas artísticas y sociales del arte urbano. Entre el elenco de invitados destacan el artista Eltono, el pope del estudio del graffiti Henry Chalfant, el empresario Jordi Rubio, de la pionera empresa de aerosoles Montana, el inquieto pensador y activista Xabier Ballaz, de Difusor.org, o el gurú de la investigación social Marco Marchioni. Se celebrarán también varios talleres prácticos, dirigidos entre otros por el famoso muralista granadino El Niño de las Pinturas.
Diálogo con A Coruña: conferencia y taller de intervención urbana
Entre los días 29 de abril y 3 de mayo dirigiré el taller Diálogo con A Coruña. Arrancará con una conferencia abierta al público el jueves 29, en la que presentaré el campo de la intervención urbana y analizaré las trayectorias de sus artistas más representativos. Durante los siguientes días, el taller se desarrollará alrededor de sesiones de trabajo en las que participantes y tutor discutan la solidez conceptual y comunicativa de las propuestas, deliberen su conveniencia social, y atiendan a su desarrollo práctico. La inscripción al taller está abierta.
Mañana viernes 19 estaré en Valladolid para impartir una conferencia por invitación del Museo Patio Herreriano. La charla, Cuarenta años de graffiti: génesis, mecánica y evolución de un juego, sirve como puesta en situación historiográfica y teórica para la exposición All day, everyday, comisariada por Carmen Palenzuela, en la que ocho escritores de graffiti nacionales han ejecutado piezas sobre las paredes de una sala del mismo museo.
Hoy ha arrancado la cuarta edición del Taller de arte público independiente que dirijo en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense, en Aranjuez. Más sobre el taller aquí.
La editorial alemana Gestalten ha incluido en su reciente volumen Urban interventions los proyectos que Elena Gómez y Pilar López ejecutaron como parte de la pasada edición del taller.
Alex Vallauri (Asmara, Etiopía 1949 – São Paulo 1987) creció en São Paulo desde 1964, donde estudió arte y grabado. Participó en la Bienal de la ciudad de 1971 con una serie de grabados. Durante esa década desarrolló un interés por la estética kitsch y la imaginería popular, y en 1974 inició un trabajo de recopilación fotográfica de murales de bares y restaurantes, cuyos resultados presentó en la Bienal de 1977. En 1978, después de haber estudiado litografía en Suecia durante unos años, comenzó a practicar el postgraffiti en las calles de São Paulo.
En un principio desarrolló una campaña de postgraffiti icónico que repetía la sintética silueta de una bota de tacón, sacada de la imaginería sadomasoquista, a un tamaño algo mayor que el natural y ejecutada mediante plantilla y aerosol. La campaña de propagación fue muy intensa y se complementó con la reproducción de la imagen sobre camisetas y sobre postales fotográficas de la ciudad, tácticas que para Vallauri funcionaban como métodos complementarios de conquista del espacio público, de forma literal en el primer caso y simbólica en el segundo.
Vallauri junto a una de sus botas, en São Paulo.
Vallauri utilizando una de sus plantillas, que solía recortar en carpetas de vinilo abiertas.
Las postales con que Vallauri complementaba la invasión.
La imaginería sadomasoquista que inspiró la imagen de la bota.
Una bota en São Paulo.
El postgraffiti de Vallauri comenzó pronto a enriquecerse con otras imágenes, siempre de pequeña escala y ejecutadas con plantilla, que el artista tomaba tanto de la imaginería popular como de la pintura académica. Vallauri tenía una fuerte voluntad populista y escogía imágenes de lectura inmediata que posibilitaran una conexión directa con el público. A partir de 1981 produjo obras de mayor tamaño, compuestas con varias de sus pequeñas plantillas unidas mediante trazos de aerosol a mano alzada. Esta forma de combinación de la plantilla con la mano alzada es única de Vallauri y no ha sido utilizada por ningún artista, ni de los ochenta ni de la escena actual.
Muro de Vallauri con intervención anónima, São Paulo, 1979.
El trabajo de calle de Vallauri, único entonces en São Paulo, despertó pronto el interés de la prensa. Cuando se desveló su identidad, Vallauri se hizo popular, y desde ese momento fue invitado por numerosas galerías para exponer su obra. En 1981 ofreció en la Pinacoteca del Estado una retrospectiva de sus tres años de trabajo en la calle, y recibió además el premio de la asociación de críticos de arte de São Paulo por el conjunto de su obra. Durante los años 1982 y 1983 estudió en el Pratt Institute de Nueva York, ciudad que vivía entonces la explosión del postgraffiti liderada por Haring. Vallauri permaneció varios años en la ciudad, propagó sus imágenes por las calles y ejecutó dos murales por encargo del gobierno local, uno en el Tompkins Square Park y otro cerca del icónico State Courthouse.
Varias obras de Vallauri en Nueva York. La última imagen muestra una obra que sobrevivió hasta 2002. La imagen en blanco y negro es de amolho4, las cinco últimas de Brian Kaufman.
Su personaje más característico, la “Rainha do Frango Assado” (reina del pollo asado), surgió de la combinación de la plantilla de la bota con otras que representaban unos guantes y unas gafas de sol. Uniendo los tres motivos, Vallauri completaba a mano alzada la imagen de una mujer. El personaje surgió en el East Village de Nueva York, mientras el artista ejecutaba un mural ante los vecinos. Lo que en principio iba a ser una mujer caucásica inspirada en la publicidad de los cincuenta, ante la solicitud de la gente del barrio –mayoritariamente latina y que no se identificaba con ese perfil– se convirtió en una morena de labios gruesos y formas rotundas. En la bienal de São Paulo de 1985, Vallauri presentó una instalación de ochenta y ocho metros cuadrados titulada “Festa na Casa da Rainha do Frango Assado” (fiesta en la casa de la reina del pollo asado), que representaba una casa de estética años cincuenta con muebles y habitantes tanto físicos como pintados con plantilla.
Un breve vídeo sobre la instalación en la Bienal de 1985.
La característica “Rahinha do frango assado” en una calle de São Paulo en 1984, construida mediante una combinación de plantillas y mano alzada.
Dos obras de Vallauri en São Paulo, de 1986 y 1984 respectivamente. Imágenes de Stencil Brasil.
Tras la estela de Vallauri se formó una enorme escena de postgraffiti que hizo uso de las plantillas y de la pintura a mano alzada. Entre sus artistas más representativos se contaron Carlos Matuck, Hudinilson Jr, Waldemar Zaidler, Rui Amaral y el colectivo Tupinãodá. A diferencia de la neoyorquina o la parisina, la escena de São Paulo no desapareció del todo a pesar de la irrupción masiva del graffiti neoyorquino desde finales de los ochenta –en el caso de São Paulo, acompañado de la autóctona y extremadamente agresiva pixação–. A partir de los noventa, una nueva generación de artistas –encabezada por las actuales superestrellas Os Gemeos– tomó el relevo, de forma que São Paulo no ha dejado de ser, como fue en los ochenta, la ciudad del mundo más poblada de postgraffiti.
Vallauri murió de sida en 1987, el día 27 marzo, día de su cumpleaños. La fecha se instauró desde entonces como Día Nacional del Graffiti en Brasil. A pesar de la aceptación que disfrutó en vida, no ha habido aún en Brasil ninguna gran exposición retrospectiva ni se ha publicado ningún libro monográfico sobre su trabajo, con excepción de la biografía, pobremente distribuida, que Beatriz Rota-Rossi publicó en 2007. Para la actual escena internacional del postgraffiti, más allá de una referencia en el libro “Graffiti Brasil”, el legado de Vallauri es desconocido.
Estaré en Bilbao entre el 9 y el 17 de octubre invitado por el festival BLV-ARTpara impartir una conferencia y un taller de una semana, ambos gratuitos. La convocatoria para participar en el taller está abierta.
Arte independiente en la calle: una panorámica
Conferencia.
Viernes 9 de octubre, 19h.
Centro Cívico de San Francisco. Plaza Corazón de María 4, Bilbao.
Las diferentes prácticas del llamado arte urbano no han dejado de evolucionar, diversificarse e interpolinizarse desde que comenzara su generalización a finales de los sesenta. Con la ayuda de abundante material visual, el ponente ofrecerá un repaso panorámico a través de la historia del fenómeno y de sus diferentes tradiciones y formas de actuación que permita distinguirlas y valorarlas.
Diálogo con Bilbao
Taller de intervención específica autónoma en el espacio urbano.
Conferencia de presentación: sábado 10 a las 12h (entrada libre, también para los no participantes en el taller).
Taller: del lunes 12 al viernes 16 de octubre, de 16 a 20h.
Centro Cívico de San Francisco. Plaza Corazón de María, 4.
Para inscribirse enviar un pequeño currículo a taller@blv-art.com.
Número de participantes: 12.
La intervención específica es una forma de arte urbano que nace directamente del entorno. A diferencia del graffiti y del postgraffiti, que consisten en la propagación de la identidad gráfica del artista en una serie de actuaciones encadenadas, las intervenciones específicas son independientes y anónimas. Son fruto de un proceso por el cual el artista estudia las particularidades físicas y sociales de una ubicación concreta para, en función de esa observación, generar una actuación que añade elementos al paisaje o transforma los existentes. Consiste, en suma, en un diálogo con la ciudad.
El taller arranca el sábado 10 con una conferencia a lo largo de la cual el tutor expone las bases teóricas de la intervención específica y repasa la producción y evolución de los artistas más representativos de la corriente. Una vez sentados los fundamentos del proceso, los participantes en el taller disponen de los días del fin de semana para estudiar el entorno de la ciudad y localizar un espacio y un tema de su interés.
Durante el resto de días del taller cada participante desarrolla y ejecuta su proyecto en el espacio público. Participantes y tutor se reunen en sesiones de cuatro horas diarias para discutir la solidez conceptual y comunicativa de las propuestas, deliberar su conveniencia social, y atender a la problemática de su desarrollo práctico.
Richard Hambleton (Vancouver, 1954) ejecutó entre 1974 y finales de los ochenta varias series de postgraffiti icónico fundamentales en la historia del fenómeno. Su primer trabajo notorio fue la serie “Image mass murder” (Imagen de asesinato en masa), que consistió en seiscientas veinte siluetas humanas de tamaño natural trazadas con tiza blanca en el suelo –similares a las que usa la policía para marcar la posición de un cuerpo asesinado– y acompañadas de manchas de pintura roja a modo de sangre. Hambleton propagó sus siluetas por catorce grandes ciudades de Estados Unidos y Canadá a lo largo del período entre 1976 y 1978. El realismo de las escenas, el misterio de su autoría, y el hecho de que las ubicaba en zonas de baja criminalidad provocaron numerosos artículos en prensa.
Una de las piezas de la serie “Image mass murder” (1976-78), en este caso ejecutada con pintura blanca.
Entre 1980 y 1981 produjo la serie “I only have eyes for you” (solo tengo ojos para ti), unas setecientas cincuenta impresiones sobre papel con la imagen fotográfica del propio artista en tamaño natural, que propagó a través de once grandes ciudades de Estados Unidos y Canadá. Las impresiones estaban producidas mediante una técnica no permanente, de manera que la imagen se degradaba uniformemente hasta desaparecer por completo a los tres meses, dejando en la pared una fantasmal silueta de papel blanco.
Piezas de la serie “I only have eyes for you” (1980-81), antes y después de la degradación de la imagen.
Entre 1981 y 1986 ejecutó en Nueva York su serie más característica, “Night life” (vida nocturna): cuatrocientas cincuenta sombras humanas de tamaño natural –el “shadow man”, hombre sombra– pintadas de forma gestual con brocha y pintura negra que acechaban en las paredes de esquinas, aparcamientos y callejones de la ciudad. Como “Image mass murder”, los hombres sombra jugaban con el estado de paranoia social causado por la alta criminalidad callejera de la época. Hambleton propagó su shadow man en doce grandes ciudades europeas –entre ellas Madrid– alrededor de 1984, y fue el encuentro con su trabajo en París lo que llevó al artista local Blek le Rat a experimentar con figuras de tamaño natural.
Varios de los hombres sombra de Hambleton en Nueva York. Fotografías de Hank O’Neal, 1982.
Hambleton pintando uno de sus hombres sombra. Fotografías de Henry Chalfant.
El trabajo de calle de Hambleton le convirtió en un figura mediática, con apariciones estelares en revistas como People o Life. Estaba introducido en la escena artística y solía aparecer en público con Warhol. Pronto se estableció como artista internacional y participó en las bienales de Venecia de 1984 y 1988. Al final de los ochenta –tras una última serie de postgraffiti desarrollada entre 1987 y 1988– desapareció del ojo público, y desde entonces ha desarrollado una silenciosa carrera artística centrada en la pintura.
Aunque Daniel Buren ya había llevado su icono más allá de su París natal a principios de los setenta, Hambleton es el primer artista del postgraffiti –y el único de su generación– que propagó sus campañas a escala nacional e internacional siguiendo la metodología que caracteriza a la escena actual. Si Buren actuó sólo en ciertas ciudades y siempre en ocasión de su participación en exposiciones, Hambleton viajó de forma independiente, visitando en su camino numerosas ciudades, en un impulso equiparable a la actual sed de propagación que guía a muchos artistas del postgraffiti. En este sentido, Hambleton en un imprescindible precedente de la actual escena del postgraffiti.
